Los mejores discos internacionales de 2021 de Nuevas Frecuencias

/ diciembre 25, 2021/ Destacados, Recomendaciones

El panorama internacional de la música no ha dejado de estar ligado a la maldita pandemia que parece no tener un fin cercano. Pero si de algo estamos seguros es de un medio musical es de cómo en nuestro mundo, puede pasar lo inimaginable cuando menos nos lo esperamos. 2021 ha sido un año de muchas sorpresas, de jóvenes talentos que han trepado hasta convertirse en referentes a regresos imposibles como el de Abba. Por ese motivo desde Nuevas Frecuencias hemos elegido por muchos y muy variopintos motivos los que han sido para nosotros los discos que nos han marcado este 2021.

Aunque las reacciones al nuevo disco de Abba no pudieron ser más dispares, ‘Voyage‘ ha supuesto la vuelta de uno de los grupos más importantes del pop del siglo pasado. ‘I Still Have Faith in You‘ y ‘Don’t Shut Me Down‘ fueron los primeros singles que salieron a la luz del grupo sueco, a lo que se unió la noticia de una gira con hologramas. No nos decepcionó este nuevo trabajo, en el que encontramos lo que todos esperábamos: una mezcla heterogénea de los sonidos clásicos de Abba. – Sara Cartas
El primer álbum de Black Country, New Road siempre será recordado como uno de los debuts más sorprendentes del rock moderno, haciendo temblar los cimientos de la escena inglesa con su combinación de post-rock, art punk, rock experimental y klezmer (música folclórica judía). Definiendo a la perfección el estado espiritual de la humanidad en 2021, los cantos desesperados, maniáticos, vulgares e intelectuales de su carismático frontman Isaac Wood nos ametrallan con verdades susurradas sobre la saturación de influencers, búsqueda de sentido, desapego social, impotencia nihilista y referencias, referencias, referencias… For the first timeconstruye su sonido sobre el antiguo culto al tono limpio de grupos como Slint, añadiendo líneas punzantes de saxofón, violín y sintetizador que avivan el fuego de la ansiedad. El Bar Mitzvah más eufórico, vandálico, enervante, majestuoso, escultural y devastador que escucharéis en 2021. – Eloy Villanueva
Resucitando el espíritu avant-prog y jazz-rock de la década de los 70 con grupos como Mahavishnu Orchestra o Captain Beefheart, black midi abandona sus raíces post-punk para sumergirse en una sinfonía de ritmos intermitentes, canciones atonales y frenéticos solos. Todo ello con letras de poesía beat y el virtuosismo musical que vimos en su debut ‘Schlagenheim en 2019. Deconstrucciones del modelo kraut se vaporizan entre impulsos hidráulicos de disciplina diabólica en canciones como ‘John L’ o ‘Dethroned’, dejando lugar para cortes fluorescentes como ‘Marlene Dietrich’ o el climático final del viaje de ‘Cavalcade‘, ‘Ascending Forth’. – Eloy Villanueva
Siguiendo su línea de ser una banda de ideas claras en lo sonoro y en lo discursivo, CHVRCHES tenían un duro reto que atravesar para no caer en círculos viciosos, y no hay nada mejor que darle un punto más de agresividad y fuerza a una idea para que reluzca más. ‘Screen Violence‘ busca los extremos en la banda de Lauren Mayberry cavando en el terror, pero sin dejar de ser pop eléctrico. Un disco donde lo visceral está en la rabia, un disco de pisotones y donde lo expresivo tiene más fuerza que en los anteriores trabajos. En una narración donde el terror que reside dentro de las mujeres es la protagonista y la misoginia latente es el villano, la historia marca en ‘Screen Violence‘ una redención que debería ser infinita. – Carlos Ryder
El quinteto más polarizante de San Francisco vuelve con su disco más personal. ‘Infinite Granite es una sorpresa para oídos inocentes y la culminación de una carrera para los más atentos. Así anunciábamos en nuestra reseña el último trabajo de uno los grupos de metal más interesantes de los últimos años. Deafheaven se aleja casi por completo del blackgaze reciente para refugiarse en un shoegaze ultrarrítimico y melódico. La voz limpia de George, narradora de sueños y experiencias muy personales, pone la guinda a la muestra de que este grupo puede hacer lo que quiera. – Javi Martínez
El grupo alemán toma el relevo de protagonista en el ámbito del post black metal con esta absoluta barbaridad de disco. Como buen álbum que se precie de este género, tenemos en ‘Noktvrnun buen equilibrio entre melodías tranquilas, los gritos y los blast beats más abismales, la rabia más atmosférica y los ruidos melancólicos de ultratumba. Si el blackgaze era un género aún difuso, discos como este le otorgan al género el sitio que merece entre los grandes de esta época. – Javi Martínez
Los fans del post-rock rezamos cada noche a la agrupación de Montreal que tanto ha aportado a este género. El ejemplo perfecto de cómo ponerle voz a un cúmulo de sentimientos sin cantar una sola palabra en sus canciones. Godspeed You! Black Emperor vuelve con uno de los mejores trabajos de toda su carrera, coherente en su caos de melodías y con las ideas claras. Un disco para la esperanza en unos tiempos donde el cielo es cada vez más gris. – Javi Martínez
¿Se puede sonar ambient y techno a la vez?. ¿Es más, se puede sonar techno y ambient, tener influencias de Tangerine Dream y del IDM a la vez?. Si tu respuesta ha sido no, por favor escucha este disco de Hannah Peel. Si ha sido sí, seguramente ya lo hayas escuchado. ‘Fir Wave‘ es un disco de 7 canciones tremendamente bien trabajadas (evolucionando a lo largo de su duración), pero que no cansan nunca y, en la que destacan todas (aunque he de decir que mi preferida es ‘Emergence In Nature‘). Con todo esta mezcla de estilos y profundidad, cualquiera podría pensar que su escucha es compleja, pero nada más lejos de la realidad. A excepción de su canción homónima, el resto tiene una duración media de unos 4 minutos y medio, por lo que se hace ligera y apta para cualquier momento. – Dani Domínguez
Desde su contundente y afilado primer trabajo hasta llegar a ‘Ultra Mono’ donde la banda de Joe Talbot alcanza el tope de sonoridad, eso sí, con un mensaje muchísimo más elaborado que los anteriores proyectos. Situándonos en una era posterior a su atrapante último trabajo nos preguntamos ¿Qué hará IDLES en su cuarto álbum? Durante este periodo de quebradero de cabeza y habiendo descartado a priori un álbum más sonoro y pesado que el anterior, sacan ‘CRAWLER‘. En esta última entrega, tenemos un completo cambio de aires, sigue siendo un álbum de IDLES, sigue habiendo post punk y seguimos teniendo los gritos de Joe Talbot, pero con una mayor versatilidad estilística. – Álvaro Fernández
Injury Reserve dedica su segundo álbum a la memoria de Stepa J. Groggs, fallecido durante la grabación del disco. El colectivo de hip hop experimental ha sabido reconducir el trabajo y han logrado una obra de arte de melodías atmosféricas, atropellados beats y efervescentes efectos que te harán rechinar los dientes de pura maravilla y confusión.By the time I get to Phoenix es un disco denso como el plomo, hostil contra los que buscan inmediatez en un panorama de hip hop trillado, con números sin cimientos aparentes como ‘Footwork in a Forest Fire’ o ‘Smoke Don’t Clear’, una mala resaca con pegajoso sabor a Death Grips. Visiones en un desierto de estática eléctrica, versos lejanos y crípticos acertijos musicales, todo conducido por Injury Reserve.- Eloy Villanueva
Tras dos discos en los que se nos mostraba un lado oscuro, con influencias del shoegaze y, un parón de 4 años, Michelle Zauner regresa con un álbum que es todo lo contrario. Bueno, en realidad no es así del todo. El disco consigue aunar atmósferas más alegres con influencias synth pop (que a veces me recuerda algo a bandas como Chvrches), con momentos íntimos (entre los que destacan ‘Kokomo, IN’ y ‘Tactics’), pero siempre sin perder su sonido. Es un disco completamente sólido con varios puntos álgidos entre los que destacaría ‘Be Sweet’, ‘Posing In Bondage’ y ‘Tactics’, pero en el que sinceramente podría destacar cualquier canción. – Dani Domínguez
En 2014 sacan su primer álbum y como suele indicar la norma, un álbum homónimo, cuatro años más tarde, sacan su segundo álbum, ‘For Ever’, con una misma estética y una ínfima evolución con respecto a la anterior entrega, ya que la calidad del primer trabajo era difícilmente superable. Llegamos al 13 de agosto de 2021 y recibimos la última entrega de la banda londinense, en la cual mantienen ese sonido pedante de neo R&B electrónico (llega a acariciar suevamente el neo soul) y la progresión lineal de los anteriores trabajos. Es un disco, que al igual que sus predecesores, nos deja himnos, como son “Keep On Moving”, “All Of The Time” y “Bonnie Hill”. – Álvaro Fernández
Aunque Maneskin saltó a la fama por su victoria en Eurovisión con su tema ‘Zitti e Buoni’, el grupo ya había publicado su segundo LP, ‘Teatro d’ira vol: 1’, dos meses antes del festival. Además de incluir el tema anteriormente mencionado, este álbum esconde algunas canciones que a pesar de no ser tan conocidas merecen ser escuchadas y pararse a leer unas letras, que, acompañadas de guitarras muy distorsionadas y baterías enérgicas, esconden significados mucho más profundos de lo que en un principio puede parecer y una reivindicación clara: “Rock and roll never dies” – Jorge Herraez
Tres años después de ‘Sunnyland’, Mayday Parade ha vuelto a crear un álbum que no está exento de sentimientos. Con un título como este nos podemos esperar la montaña rusa que se nos viene encima al escucharlo, desde ‘Kids of Summer’ y ‘Think of You’ a ‘Bad at Love’ o ‘You Not Me’. No sorprende que ‘What it Means to Fall Apart’ sea un álbum perfecto para escuchar después de una ruptura. – Sara Cartas
Josephine y Anthony, pareja artística y sentimental tras Oh Wonder, han creado un álbum de los que sanan por dentro. De lo que casi son las ruinas de su relación, crearon ‘22 Break’, un álbum que cuenta una historia, su historia, de ruptura, enfado, reconciliación y paz, a lo que se une la esperanza por un futuro mejor. Si ellos dos han podido salvarse con un disco, ¿por qué no podríamos los demás? – Sara Cartas
Sin duda uno de los nombres del año en el mundo de la música. No sólo el foco mediático ha apuntado a un Rauw Alejandro cuya relación sentimental con Rosalía ha ocupado portadas y titulares, sino que sus canciones han marcado durante todo el año las fiestas de toda España y Latinoamérica. ‘Vice Versa’ es el mejor disco del género donde ese arrasador ‘Todo de ti’ es tan solo el aperitivo de un disco que en lo musical destaca por encima de cualquier otro rival. Para ser protagonista de tantas portadas has de tener un estilo inimitable, y sin duda Rauw Alejandro lo ha conseguido hasta fraguar uno de los que el tiempo dirá si es un disco para la historia, pero papeletas, tiene muchas en tan solo un disco. – Carlos Ryder
Con un demoledor debut con ‘Songs Of Praise’, todos creíamos que serían “flor de un solo día”, pero Shame nos ha golpeado en toda la cara con ‘Drunk Tank Pink’, un álbum mucho más oscuro y agresivo que el anterior. Cuenta con un sonido mucho más compacto, mucho más post-punk canónico. Es un álbum que chorrea olor a Parquet Courts en cada una de sus pistas y una puesta en escena propia de The Stoogies, con un cierto aire a David Byrne. Tras este más que sobresaliente segundo trabajo y si hacen como dicen en el último corte de la cara B del LP: “I’m gonna try and achieve the unachievable”, nos quedamos expectantes por ver qué será de ellos en sus próximos proyectos. – Álvaro Fernández
De la vulnerabilidad y de los trozos de un corazón roto crea Lindsay Jordan un relato que nos lleva de ‘Pristine’ a Valentine, donde el paso del tiempo ha pasado de forma valiente para Snail Mail. Un disco maduro, que en los momentos de bravura deja hueco a lo sensible y a la sorna. El paso del tiempo que tanto pasa factura ha resultado aportar un valor incalculable a un disco en el que cada uno de sus momentos cala y se disfruta, te identifica, te rompe y te saca a bailar. ‘Valentine’ despoja de debilidad y flaqueza lo frágil, que se convierte en algo sólido sin ser robusto. Todo un salto de fe. – Carlos Ryder
Steven Wilson vuelve a cambiar de registro intentando confrontar las ideas preconcebidas que tienen (sobre todo) sus fans respecto a su música. Esta no era la excepción. Es más, probablemente sea el álbum que más polarización ha creado dentro de su catálogo y, en parte lo entiendo, pero para nada creo que sea por el cambio de estilo. Es algo que lleva haciendo a lo largo de su carrera con acierto y que esta vez ha desembocado en un disco synthpop. Más allá de dos canciones que carecen del sonido del resto del disco nos encontramos en ‘The Future Bites‘ al mismo Wilson de siempre, donde destaca absolutamente todo desde el propio concepto del álbum hasta la mezcla y, todas y cada una de las canciones. – Dani Domínguez
Resultaría estúpido pedir por parte del oyente que las canciones de The War On Drugs no pasaran por la inevitable rueda del tiempo. Esa ineludible factura también pasa por Adam Granduciel que no cede a la melancolía pero sí la transforma. ‘I don’t live here anymore’ no abandona nada, encontramos el sonido que buscamos de la banda, y sin embargo sí que deja atrás al tiempo y a un pensamiento que se quedó en el nosotros de ayer y en el de la banda. Un muy buen hilo narrativo que deja espacio a que las melodías y los arreglos de cada canción nos den el tiempo necesario para disfrutar junto a su leit motiv. Un nuevo punto para el que partir a otros nuevos puntos sin dejar de mirar atrás. – Carlos Ryder
El dúo acústico consiguió hacer su primer LP sin estar bajo ningún sello discográfico, grabándolo ellos mismos y ocupándose de todo el proceso desde la marca This Wild Life. No podemos decir que les haya ido mal a Kevin y Anthony, que han sacado un disco tan suyo como todos los demás (e incluso más), en el que no faltan las canciones que nos hacen llorar y sufrir, pero que también nos mantienen la fe en un amor que quizá sigue ahí. – Sara Cartas
2021 ha sido el año de grabar y producir discos desde casa. Ahora, con Tyler Joseph siendo padre, más aún. Así que desde sus estudios en sus respectivas casas (que se dice pronto), nació ‘Scaled and Icy’, digna continuación de ‘Trench’. Con toques muchos más pop, synth-pop y, en definitiva, alegres, este álbum vuelve a los ritmos de ‘Vessel’ y se desvía del enfoque más oscuro que le dieron al álbum anterior. No podemos no remarcar ‘Saturday’, que es tan bonita que incluso incluye una conversación telefónica con Jenna, la mujer de Tyler, que merece la pena escuchar con atención. – Sara Cartas
Con ‘Scurlage‘, Mike Paradinas (uno de los máximos exponentes en la la escena electrónica de los años 90 en el Reino Unido) regresa al formato físico para entregarnos un álbum impresionante en el que tan pronto reinventa las bases del trap (en el tema ‘Blakers Loop‘) mezcladas con sonidos propios de artistas como Vangelis, dotándolo de un ambiente de ciencia ficción (lo cual se mantendrá a lo largo del disco), como muestra su lado más glitchy en ‘Preston Melodics’ (a mi juicio el mejor tema de Scurlage), coquetea con el synth pop (‘Bentley’) o cierra el álbum con un tema puramente ambient (‘Strawberry Aero‘). Todo ello lo hace con melodías y ritmos tremendamente cuidados, que dotan a ‘Scurlage’ de un sonido propio a la altura de lo mejor de µ-Ziq – Dani Domínguez
Desde la generalidad de lo que algunos consideran como un subgénero del punk, que da espacio a infinidad de interpretaciones, llega el último álbum de Viagra Boys, ‘Welfare Jazz. Tras los pasos de su anterior álbum ‘Street Worms’, esta nueva entrega es un “más de lo mismo”, que a pesar de ello no pierde valor, seguimos encontrando la misma estética llamativa y ese lado macarra un tanto premeditado. La producción del álbum es excelente, con un sonido contundente y sólido, que hace que suenen a The Fall con esteroides. Esa actitud provocadora, que es el estandarte de la banda, funciona a la perfección con el público, así que ¿por qué no repetir la misma fórmula mágica? – Álvaro Fernández
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